Sierksdorf an der Ostsee ist ein beliebter Ferienort. Das wusste auch der Maler Karl Schmidt-Rottluff zu schätzen. Von 1951 bis 1973 verbracht er dort die Sommer. Daran erinnert die Schmidt-Rottluff-Allee. In Wahrheit heißt die Allee Seehofallee. Der berühmte Expressionist und Mitbegründer der Künstlergruppe Brücke, Schmidt-Rottluff hat sie in einem Gemälde festgehalten. Es entstand 1956, ist aber im Stil des Expressionismus gehalten, mit dem der Maler berühmt wurde. Wer auf seinen Spuren wandeln möchte, kann einen kurzen Spaziergang durch die Allee unternehmen. Sie ist nur wenige Meter lang und mündet am Hotel Seehof. Direkt dahinter liegt die Ostsee. Grünes Denkmal für Karl Schmidt-Rottluff Sierksdorf setzt seinem berühmten Sommerfrischler mit der Allee ein Denkmal. An ihrem Beginn steht ein kleines Plakat mit dem Bild der Seehofallee darauf. Das Original hängt in der Städtischen Kunstsammlung Chemnitz. In Chemnitz-Rottluff ist der Maler geboren worden, später hat er eine Zeit lang dort gewohnt. Vor allem aber hat er immer wieder Zeit an der Ostsee und der Nordsee verbracht und dort die Landschaft gemalt, darunter die Steilküste und den Strand von Sierksdorf. Außer mit der Allee würdigt der Ort den Künstler mit einem bemalten Stromkasten am Beginn der Allee. Darauf abgebildet ist Karl Schmidt-Rottluff zwischen Bäumen mit einer Palette und einem Pinsel in der Hand. Er trägt einen Strohhut und sieht recht jung aus. Dabei war er bereits 67 Jahre alt, als er das erste Mal nach Sierksdorf kam. Im Haus des Gastes gibt es zudem eine Dauerausstellung. Hinter der Allee geht’s weiter Wer die Schmidt-Rottluff-Allee in Sierksdorf hinuntergewandert ist und Lust auf einen längeren Spaziergang hat, der biege an ihrem Ende nach rechts oder links in den Gartenweg ab. Da gibt es schöne Häuser zu sehen. In regelmäßigen Abständen führen Stichwege zur Steilküste. Über Treppen geht es an den Strand. Wer links abbiegt, kann über einen Rundweg und die Straße Vogelsang wieder zurückkehren zum Beginn der Schmidt-Rottluff-Allee. Spätestens dann ist klar, warum der Maler diesen Ort so gemocht hat. Heute lebt noch ein anderer bekannter Künstler, der Schauspieler, Autor, Musiker und Maler Armin Mueller-Stahl in Sierksdorf. An der Steilküste besitzt er ein Haus mit Atelier und Bilderwerkstatt. Mueller-Stahl ist Ehrenbürger des Landes Schleswig-Holstein und mittlerweile 95 Jahre alt. Ich mag es, auf den Spuren berühmter Maler zu wandeln und zu wandern. Kunst war immer meine Leidenschaft. Deshalb hat mir mein Besuch kürzlich in der Liebermann-Villa in Berlin so gut gefallen. Und wenn es keine Villa gibt, reicht eben auch eine Allee.

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Ich habe vor kurzem die Laeiszhalle in Hamburg besucht. Es war ein Ausflug in großbürgerliche Zeiten. Die Halle ist ein schönes Beispiel für Neobarock. Lange Jahre war die Laeiszhalle die maßgebliche Konzerthalle in Hamburg. Dann war irgendwann nach langer Bauzeit die Elbphilharmonie fertig und die Laeiszhalle rückte in die zweite Reihe. Heute gehören Laeiszhalle und Elbphilharmonie vom Konzertangebot zusammen. Architektonisch könnten sie unterschiedlicher nicht sein. Ich mag moderne Architektur, aber ich mag auch Reminiszenzen an die Vergangenheit, wie sie die Laeiszhalle darstellt. Eine Reise in die Vergangenheit Ich habe im Großen Saal die 3. Sinfonie von Gustav Mahler gehört, gespielt von Laien. Vom ersten Ton an hat mich die Akustik überzeugt. Die wussten schon damals, wie man Konzerthallen so baut, dass der Klang ideal und ganz wunderbar ist. Hinzu kommt, dass die Laeiszhalle viel fürs Auge bietet. Sie zu besuchen, ist eine Reise in die Vergangenheit. Wer durch Foyer, Wandelhalle und über den Aufgang zum Großen Saal schlendert, sieht so viele wunderbare Details. Das fängt schon bei den Wegweisern an, etwa zu den Toiletten. Entworfen und von 1904 bis 1908 erbaut von den Architekten Martin Haller und Emil Meerwein, ist die Laeiszhalle ein typisches Beispiel für großbürgerliche Architektur ihrer Zeit. Ihren Namen verdankt sie ihrem Finanzier, dem Hamburger Reeder Carl Laeisz. Er wollte der Stadt „eine würdige Stätte für die Ausübung und den Genuss edler und ernster Musik“ schenken. Das ist ihm gelungen. Carl Laeisz ist noch auf andere Weise berühmt geworden: als Reeder der sogenannten Flying-P-Liner. Alle seine Fachtsegler hatten einen Namen, der mit P begann. Unter anderem gehörten die Peking, die Pamir und die in Lübeck-Travemünde liegende Passat dazu. Viel Deko in der Laeiszhalle Zurück zur Laeiszhalle. Ich habe neben der Musik die Atmosphäre dieses besonderen Ortes genossen. Was den einen vielleicht zu viel überbordende Dekoration ist, hat mir ausnehmend gut gefallen. Viel Stuck, viel Ornament, viel Gold. Besonders beeindruckend ist der Große Saal mit mehr als 2000 Plätzen und zwei Rängen. Im Inneren der Laeiszhalle sind eine Reihe von Musiker-Büsten aufgestellt. Draußen huldigen zwei Kunstwerke Johannes Brahms, der maßgeblich in Hamburg gewirkt hat. Vor der Halle steht die große Bronzeskulptur „Hommage an Brahms“ von Maria Pirwitz. Seitlich von der Konzerthalle ist der Brahms-Kubus aus Rosengranit von Thomas Darboven aufgestellt. Er zeigt auf vier Seiten vier Lebensabschnitte des Komponisten. Beide Skulpturen stammen aus dem Jahr 1981 und beide sind genauso Ausdruck ihrer Zeit wie die Laeiszhalle. Solche stilistischen Spannungen finde ich immer sehr gelungen und sehenswert. Der Besuch in der Laeiszhalle war für mich nicht nur ein akustischer Genuss, sondern auch ein optischer und atmosphärischer. Die Fahrt nach Hamburg hat sich dafür allemal gelohnt.

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Die Walddörfer Kantorei hat erst in Lübeck, dann in Hamburg-Volksdorf drei oratorische Werke von Fanny Hensel aufgeführt. Es war auch eine Verbeugung vor einer zu Unrecht zu unbekannten Komponistin. Fanny Hensel ist vor allem deshalb bekannt, weil sie die große Schwester von Felix Mendelssohn Bartholdy war. Dabei war sie nicht weniger begabt als er. Er hat ihr sogar viel von seinem späteren Können zu verdanken. Sie hat den vier Jahre jüngeren Bruder angespornt, ihm manches beigebracht. Doch ihr selbst blieb eine musikalische Karriere verwehrt – weil sie eine Frau war. So war das damals, und es gab keinen Weg aus dieser Falle heraus. Drei Kantaten für Chor, Orchester und Solisten Umso schöner, dass die Walddörfer Kantorei jetzt Fanny Hensel in den Mittelpunkt von zwei Konzerten stellte (13. Juni in Lübeck, 14. Juni, 18 Uhr, in der Kirche am Rockenhof in Hamburg-Volksdorf). Auf dem Programm standen und stehen die drei Kantaten „Hiob“, „Lobgesang“ und das „Oratorium nach Bildern der Bibel“. Die Walddörfer Kantorei wurde begleitet von Mitgliedern der Lübecker Philharmoniker, die Solopartien sangen Amelie Gorzellik (Sopran), Nicole Dellabona (Alt), Timo Rößner (Tenor) und Konstantin Heintel (Bass). Die Chorleitung hat Annedore Hacker-Jakobi (Hamburg), das Konzert in Lübeck dirigierte Olga Zhukova (Lübeck). Für Zhukova war es gleichzeitig ihr Master-Prüfungskonzert im Studiengang Kirchenmusik an der Hochschule für Musik und Theater Hamburg. Ich bin keine Fachfrau und gehöre natürlich nicht zur Prüfungskommission, aber nach meinem Eindruck hat Zhukova ihre Prüfung mit Bravour bestanden. Ihr Dirigat war stets präzise, Chor und Orchester folgten ihr problemlos. Die Solisten unterstützte sie mit klaren Zeichen. Die Walddörfer Kantorei mit 80 Sängerinnen und Sängern meisterte die drei Kantaten bestens. Auch schwierige Einsätze, ob rhythmisch oder vom Finden der Töne, und Tempiwechsel gelangen ohne Probleme. Lediglich an der Mischung der Stimmen leidet der Chor ebenso wie wohl alle Chöre. Obwohl die Männerstimmen in der Mitte platziert waren und nicht wie sonst oft üblich in den hinteren Reihen, wurden sie von den Frauenstimmen etwas an die Wand gesungen. Sehr positiv fiel die klare Artikulation auf. Der gesungene Text war gut zu verstehen, mitlesen im Programmheft beinahe überflüssig. Fanny Hensel war bei den Solisten geizig Chor und Orchester bildeten eine harmonische Einheit, ausgewogen in der Lautstärke. Die Solisten glänzten allesamt in ihren Partien. Amelie Sophie Gorzellik überzeugte mit ihrem glasklaren Sopran, Altistin Nicole Dellabona mit samtenen Tönen, vor allem in den Tiefen. Tenor Timo Rößner gestaltete seine schnelle und anspruchsvolle Arie „Ich bin elend und ohnmächtig“ sicher und überaus lebendig. Bass Konstantin Heintel habe ich schon einmal 2010 gehört und war restlos begeistert von ihm. Auch diesmal hat mich seine Stimme, vor allem in den Tiefen, beeindruckt. Gern hätte ich von allen Solisten mehr gehört, aber Fanny Hensel hat ihnen leider nicht mehr Partien in ihre Kantaten geschrieben. Fanny Hensel hat dem Chor in ihren drei Kantaten wunderbare Musik komponiert. Vor allem der Trauerchor im Oratorium nach Bildern der Bibel sowie der Schlusschor ließen das Ensemble sein ganzes Können zeigen. Das zu Beginn gemäß dem Untertitel „Musik für die Toten der Cholera-Epidemie 1831“ etwas schwermütige Werk schwingt sich musikalisch zum Ende zu einem Ausdruck der Hoffnung auf göttliche Erlösung auf. So ging dieser Konzertnachmittag mit einem tröstlichen Gefühl und lang anhaltendem Applaus zu Ende. Werbung mithilfe der KI Die Walddörfer Kantorei ist in ihrer Organisation professionell aufgestellt. Kartenbestellung per Internet mit Platzwahl, Bezahlung per Kreditkarte. Und natürlich gehört für jeden Chor Werbung dazu. Ein Mitglied des Chores hat mithilfe von KI zwei Comics gebastelt und sie verteilt. Mal ein ganz neuer Weg, um Zuhörer anzulocken. Ich weiß, dass es funktioniert hat. Warum also nicht auch solche Wege gehen? Es war mein zweiter Konzertbesuch binnen einer Woche. Gerade erst habe ich die 3. Sinfonie von Gustav Mahler in Hamburg gehört. Es war ein großes Erlebnis, ebenso wie das Konzert in St. Aegidien. Zu der Kirche habe ich zudem eine besondere Verbindung. Auf den Tag genau 28 Jahre vor dem Lübecker Konzert sind wir in der Kirche getraut worden.

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Die 3. Sinfonie von Gustav Mahler ist eine Herausforderung. Zwei Stunden anspruchsvolle Musik für Spieler und Zuhörer. Ich habe sie in der Hamburger Laeiszhalle gehört. Ein besonderes Erlebnis. Dieses Erlebnis ist schon deshalb so besonders, weil im Orchester 92 Laienmusiker sitzen. Es ist ein Projekt des Landesverbands norddeutscher Liebhaberorchester (BDLO), das sich die mit mehr als eineinhalb Stunden Spielzeit längste jemals komponierte Sinfonie vorgenommen hat. Dabei liegt die Herausforderung für Dirigent Wolf Tobias Maximilian Müller nicht nur in der Größe des Werkes und der Tatsache, dass hier Laienmusiker im Orchester sitzen. Es ist auch seine große Aufgabe, die Musiker, die aus verschiedenen Orchestern kommen, zu einer Einheit zusammenzufassen. Hinzu kommen noch zwei Chöre und eine Altistin. Eine Sinfonie wie ein Gemälde „Es ist ein Geschenk, dazuzugehören“, sagt Nick Vogler, Redakteur und Cellist aus Lübeck. Er hat bereits 2024 mitgespielt, als das Lübecker Kammerorchester unter anderem die Sinfonie Nr. 5 von Dmitri Schostakowitsch aufgeführt hat. Die Mahler-Sinfonie sei noch viel schwieriger, technisch, musikalisch, und manchmal sei auch schwer zu hören, was im Orchester vor sich geht. Wie er das Konzert und das Werk empfunden hat? „Das ganze Werk ist wie ein großes Gemälde, und jeder hat seine Farbe beizusteuern“, beschreibt Vogler sein Gefühl. Farbenreich ist die 3. Sinfonie wirklich. Und sie zeigt deutlich, dass Gustav Mahler ein Faible für tiefe Bläser hatte. Das wird gleich im Anfangsmotiv des 1. Satzes deutlich, den Posaunen, Hörner und Tuba zu spielen haben. Satter Klang, Töne ohne Fehl und Tadel, dazu die wunderbare Akustik der Laeiszhalle: Schon nach wenigen Takten war klar, welches Klangerlebnis die Zuhörer erwarten durften. Mahler mochte die Bläser, schrieb ihnen immer wieder und nicht nur den tiefen wie Fagott oder Tuba Solopartien in seine Sinfonie. Da konnten sie glänzen, etwa die Oboen, ebenso wie die Schlagzeuger, die einen der schwierigsten Parts bei solchen Werken haben. Je mehr Streicher, desto mehr piano Etwas, was den Streichern so nicht vergönnt ist. Sie spielten ihr ganzes Können bei den großen Tutti-Passagen aus. Vor allem im letzten Satz, überschrieben „langsam ruhevoll empfunden“, bewiesen die Geiger, Bratschistinnen, Cellisten und Bassisten, dass sie trotz ihrer Masse in elfengleichem Piano zu spielen verstehen. Etwas mehr Zurückhaltung des Orchesters wäre dagegen im vierten und fünften Satz schön gewesen. Die Altistin Dorothee Bienert hatte zeitweise Mühe, sich gegen die machtvollen Instrumentalisten durchzusetzen. Da ging es dem Frauenchor und dem im oberen Rang platzierten Kinderchor etwas besser. Vor allem der Kinderchor mit seinem unprätentiösen und etwas rauen Bimm-Bamm-Bimm sang sich in die Herzen der Zuhörer. Der Rang, erst auf der einen, dann auf der anderen Seite, war auch die Bühne für Posthorn-Solistin Antonia Efinger. Für viele nicht sichtbar, aber hörbar, weshalb sich etliche Köpfe nach hinten-oben drehten. Efinger spielte ihren Part hinreißend schön, ein winziger Tonwackler fiel da nicht ins Gewicht. Mahler verlangt Könner Die Ausschreibung des BDLO Nord für die Laienmusiker verlangte für die Mahler-Sinfonie „sehr fortgeschrittene Instrumentalisten“, was angesichts der Schwierigkeit des Werks kein Wunder ist. Umso mehr Hochachtung verdient die Leistung der Musiker und Musikerinnen, die allesamt keine Profis sind, aber nahe an deren Können heranreichen. Da geht es nicht nur um Töne, sondern natürlich auch um ein gelungenes Zusammenspiel, um Dynamik und Tempi, und darum, Mahlers überbordende Spielanweisungen umzusetzen. So enthält allein der erste Satz für die Bratsche an die 500 Eintragungen. Nick Vogler berichtet aus den Proben, dass Dirigent Müller darauf hingewirkt habe, alles so zu spielen, wie Mahlers Anweisungen lauten. Obendrein musste Müller den Haufen zusammenhalten, um es flapsig auszudrücken. Keine leichte Aufgabe, wenn die Ausführenden aus so vielen Ecken, sprich Laienorchestern, kommen. Mit vollem Körpereinsatz und straffem Dirigat meisterte der Dirigent seine Aufgabe bestens. Jedenfalls habe ich in der ganzen langen Aufführung kein merkliches Klappern gehört. Eventuelle Fehler dürften höchstens exzellenten Kennern des Werks aufgefallen sein. Furioses Finale nach eineinhalb Stunden Ein musikalischer Hochgenuss endete mit dem furiosen Finale des sechsten Satzes mit hämmernden Paukenschlägen, viel Blech und tanzenden Geigenbögen. Danach hätte ich mir noch ein paar Sekunden andächtige Stille gewünscht. Einen Moment, um diese wunderbare Musik in mir nachhallen zu lassen. Leider hat ein Bravo-Brüller rechts hinter mir diesen Moment kaputt gemacht. Sehr schade. Aber diese Unsitte lässt sich offenbar nicht auszurotten.

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Ich habe einen Termin in Berlin genutzt, um die Liebermann-Villa am Wannsee zu besuchen. Mitte Mai ist der Garten besonders schön. Ich wollte schon immer mal in die Liebermann-Villa, seitdem sie seit 2006 für die Öffentlichkeit zugänglich ist. Aber Berlin liegt für uns nicht um die Ecke. Umso mehr habe ich mich jetzt über die Möglichkeit gefreut, auf dem Weg in die Berliner Innenstadt einen Abstecher zum Wannsee machen zu können. Eines der kleinsten Museen Deutschlands Die Liebermann-Villa liegt am Ende der recht kurzen Colomierstraße, die von der Straße Am Großen Wannsee abzweigt. Die Parkmöglichkeiten sind begrenzt, aber mit Glück gibt es noch einen Platz am Straßenrand mit Parkscheibenregelungen für zwei Stunden. Das reicht für die Liebermann-Villa. Schließlich gelten Villa und Garten als eines der kleinsten Museen Deutschlands. In dem es aber viel zu sehen und zu genießen gibt. Im ehemaligen Gärtnerhäuschen sind Kasse und Museumsshop untergebracht. Von dort geht es zunächst auf die Rückseite der Villa mit Gemüsegarten und Staudengarten. Bei unserem Besuch blühten Bellis, also Tausendschön, und Stiefmütterchen im Staudengarten in voller Pracht. Im Gemüsegarten waren die Salatpflanzen gesetzt, für mehr war es offenbar noch zu kalt. Aber die Bohnenstangen standen bereits. Der Weg führt anschließend in die Villa selbst mit Dokumentationszentrum und Café Max im Erdgeschoss und Liebermanns Atelier im Obergeschoss. Unten erfährt der Besucher alles über den berühmten Maler, ober hängen etliche seiner Bilder, darunter auch solche, die vom Garten am Wannsee inspiriert wurden. An die 250 Bilder malte Liebermann in seinem Atelier im Sommerhaus. Liebermann liebte den Birkenweg Zwischen Villa und See schließt sich der berühmteste Teil des Gartens an. Eine große Rasenfläche führt zum Wasser, links davon liegt, von der Villa aus gesehen, der Heckengarten, rechts der Birkenweg. Der Blick vom See zur Villa mit den Birken dazwischen gehört wohl zu den bekanntesten Gartenbildern des Malers. Natürlich habe ich versucht, genau diesen Blick im Foto festzuhalten. Ebenso wie Pavillon und Steg direkt am Wasser und den wunderschönen Heckengarten. Es gibt wohl kaum eine bessere Zeit als den Wonnemonat Mai, um Villa und Garten zu besuchen. Das junge Grün macht die Anlage besonders attraktiv. Das Wetter war durchwachsen, sodass das Spiel von Licht und Schatten, erzeugt von Sonne und schnell ziehenden Wolken, die Szenerie besonders ansprechend machte. Kein Wunder, dass der Künstler dieses doch sehr feudale Domizil so liebte. Garten und Villa fallen stilistisch etwas auseinander. Während das Haus im damals etwas rückwärtsgewandten klassizistischen Stil erbaut wurde, ist der Garten einer der ersten und bekanntesten Reformgärten. Inspiriert vom Architekten Hermann Muthesius und Liebermanns Freund, dem Museumsleiter und Kunstpädagogen Alfred Lichtwark, einem ausgewiesenen Anhänger des Landhausgartens, ließ der Maler sein Grundstück nach neuen Erkenntnissen gestalten. Die praktische Arbeit übernahm der spätere Stadtgartendirektor von Berlin, Albert Brodersen. Zwischen Geometrie und Landschaft Der Reformgarten ist eine Abkehr vom Landschaftsgarten und eine schöne Mischung aus geometrisch angelegten Klostergärten, Bauerngärten und natürlich erscheinenden Bereichen. Das Birkenwäldchen gab es schon, bevor der Garten angelegt wurde. Liebermann ließ es stehen und in die Gestaltung einbeziehen. Vieles andere wurde neu angelegt. Der Garten sollte gestaltet sein wie das Haus: mit mehreren unterschiedlich gestalteten Räumen. Ein schönes Beispiel dafür sind die Heckengärten im Liebermann-Garten. Ich bin froh, dass ich endlich mal Garten und Villa besuchen konnte. Ein paar hundert Meter weiter steht an der Straße Zum Großen Wannsee das Haus der Wannsee-Konferenz. Leider reichte die Zeit nicht mehr für einen Besuch. Der muss nun bis zur nächsten Berlinreise warten. Wenn ich mal wieder ein Gartendenkmal besuchen möchte, habe ich immerhin hier ganz in der Nähe den Malenter Kurpark. Auch ein bedeutender Ort der Gartenarchitektur, bei dem Architektur und Gartenarchitektur ebenfalls mit großen Namen verbunden sind.

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Johannes Franzen hat mit „Wut und Wertung“ eine Untersuchung darüber vorgelegt, warum wir über Kunst streiten. Am Ende gibt er eine überraschende Antwort. Eins vorweg: Ich bin keine Heidegger-Kennerin. Und habe deshalb gleich nach wenigen Seiten naseweis moniert, dass ein Satz im Buch „Wut und Wertung“ von Johannes Franzen offenbar einen Druckfehler enthält. „Und so entbergen diese Fälle . . .“ Entbergen? Nie gehört. Und ich dachte immer, mir könne in Sachen Sprache niemand mehr etwas vormachen. Entbergen heißt, etwas zeigen, zum Vorschein bringen, und wird offenbar oft mit dem Philosophen Martin Heidegger verbunden. Nachdem ich über den Berg des Entbergens gegangen bin, habe ich „Wut und Wertung“ verschlungen. Für jeden, der sich nur ein Fitzelchen für Kultur interessiert, egal ob klassische oder moderne oder Pop- und Fankultur, ist es eines der erhellendsten Sachbücher der vergangenen Wochen, wenn nicht Monate oder Jahre. Untertitel: „Warum wir über Geschmack streiten“. Oder wie es der Autor formuliert: „Warum hassen wir bestimmte Kunstwerke (Songs, Bücher, Filme, Games etc.)?“ Kleiner Exkurs: Ich hasse „Gott erhalte Franz den Kaiser“ oder genauer das von Haydn 1797 vertonte Gedicht, das der Komponist als für mich nerviges Streichquartett in D-Dur ausgeführt hat. Die Melodie kennen alle, es ist die der deutschen Nationalhymne. Das Quartett ist für mich schwer zu ertragen. Sollte es jemand brillant finden, könnte ich wütend darauf reagieren. Ein Angriff auf uns selbst Und genau mit dieser Reaktion steigt Franzen in das erste Kapitel seines Buches ein. Stell dir vor, du bist auf einer Party und es wird über Filme diskutiert. Du nennst begeistert einen Lieblingsfilm und alle machen deutlich, dass du damit völlig falsch liegst und keine Ahnung hast. Ein Angriff auf unsere Kunst ist immer auch ein Angriff auf uns selbst. Das ist eine der Kernthesen des Buches. Vom Szenario der Filmdebatte auf der Party aus entwickelt Franzen auf 402 Seiten, wie Wut und Wertung schon immer und seit der Digitalisierung noch viel heftiger die Sicht auf Kunst und Kultur bestimmen. Dabei legt er leicht nachvollziehbar das dar, was viele von uns schon immer unbewusst wussten, aber nie so deutlich ausgesprochen oder niedergeschrieben haben. Welche Mechanismen wirkten und wirken, wie über Jahrhunderte erst das Publikum diszipliniert und heutzutage die Künstler und die Rezipienten von Fandoms und Shitstorms beeinflusst werden. Welche damit sogar die professionelle Kritik herausfordern. Jeder kennt die Erzählungen, wie die Zuhörer einst in den Opernhäusern während der Aufführungen gegessen und geredet haben. Und heute: weihevolle Stille vom ersten Moment bis zum letzten. Jeder weiß, wann er im Konzertsaal nicht klatschen darf (nicht zwischen den Sätzen). Hier hat das Kunstparadigma gewirkt, dem Franzen eine ausführliche Darstellung widmet. Hochkultur versus Massengeschmack Es ist die Klassifizierung zwischen Hochkultur und Massengeschmack. Hochkultur will erarbeitet und nicht (nur) genossen werden. Nur Eingeweihte können sie angemessen rezipieren. Und sie muss gegen erfolgreiche Nicht-Kunst verteidigt werden. Nicht das einzige Werkzeug zur Disziplinierung des Publikums. Da sind noch der Kanon und die Schullektüre. Franzens Ausführungen zum Mega-Langweiler „Effie Briest“ von Fontane sind genauso vergnüglich zu lesen wie seine anderen Beispiele. Irgendwo dort findet sich beinahe jeder Leser in der Fülle der aufgeführten Konflikte und Skandale wieder. Dem Elitären folgt die digitale Gegenwart, die einen Großteil des Buches einnimmt. Nicht nur bei im Netz empört verrissener Schullektüre – „Scheiß drecks Gedicht!“ -, sondern bei Fan-Armeen, der Frage, wer Kultur bewerten darf oder kann bis hin zur Debatte um J. K. Rowlings transphobe Äußerungen und der öffentlichen Reaktion darauf. Franzen macht weder vor Lindemann noch vor Layla halt. Plötzlich haben sich die Machtverhältnisse umgekehrt. Nicht mehr die Hochkultur und ihre Verfechter maßregeln die Rezipienten, sondern das Publikum redet bei der Bewertung von Kunst und Kultur ein gehöriges Wörtchen mit. Was mitunter schwerwiegende Folgen hat. Franzen enthält sich der Wertung Franzen führt für alle seine Thesen viele Beispiele an, nennt Künstler, Werke, Filme, Videospiele. Nicht jeder Leser wird alle kennen, aber für jeden sind welche dabei, von denen er sofort eine Vorstellung hat. Und sei es nur die musikalische Umweltverschmutzung im Supermarkt. Aus diesen Beispielen heraus entwickelt der Autor seine Thesen. Er schreibt verständlich und quält seine Leser meistens nicht mit Fachausdrücken – mal abgesehen vom Entbergen – und Bandwurmsätzen. Nur manchmal schlägt bei seinem Schreibstil doch der Wissenschaftler durch. Und Franzen vermeidet es, selbst Stellung zu beziehen in den Kulturdebatten, die er erzählt. Dafür weist er immer wieder darauf hin, worum es letztlich geht: Emotionen. Die löst nur wahre Kunst aus und nicht die, die zur wahren Kunst erklärt wird. Knackige Kapitelüberschriften wie „Kitsch und Ekel“ oder „Der nervigste Song aller Zeiten“ machen stets Lust aufs Weiterlesen. Ich kann Johannes Franzen nur wünschen, dass möglichst viele Leser das Buch in die Hand nehmen, um es mit Spaß zu lesen. Denn Kunst und Kultur haben einen schweren Stand. Das weiß ich aus meiner alltäglichen journalistischen Arbeit und das kommt nur ganz nebenbei auch im Buch von Franzen vor. Text über Theater und Oper wären aufgrund mangelnder Klicks in Gefahr, immer mehr aus dem Online-Angebot von Zeitungen und Zeitschriften zu verschwinden. „Das klickt nicht“ höre ich selbst oft genug und kann diese Klage nachvollziehen. Die Antwort auf die Kernfrage Ich wünsche Johannes Franzen, dass sein Buch kräftig klickt. Und dass es bei seinen Lesern ebenso oft Klick macht wie bei mir. „Wut und Wertung“* hat mir viel Freude gemacht und Erkenntnis gebracht und ist bereits ein Lieblingsbuch geworden. Am Ende beantwortet er dann noch die Frage, warum wir über Kunst streiten: „Weil es so viel Spaß macht!“ *Amazon-Link

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Was tun, wenn es draußen drückend heiß ist? Ins Museum gehen. Ich habe meinen Plan umgesetzt, mich nochmal genauer in der Hamburger Kunsthalle umzusehen. Kunst gucken bei Hitze lohnt sich. Der Sonntag, 21. Juli 2024, war der weltweit heißeste Tag seit Beginn der Aufzeichnungen. Zwar ist der norddeutsche Sommer dieses Jahr eher durchwachsen, aber selbst hier war es am Sonntag sehr heiß. Da ist ein Museum gerade der richtige Ort, um es etwas kühler zu haben. Schließlich sind Museen klimatisiert, die Ölfarbe soll ja nicht zu weich werden und herunterlaufen (zugegeben, das ist eine Laienansicht). Und da ich mir nach der Kaspar-David-Friedrich-Ausstellung sowieso vorgenommen hatte, die Kunsthalle nochmal zu besuchen, war die Hitze ein guter Anlass. Berühmte Werke der Kunst Was mir gar nicht so klar war: Das Museum beherbergt eine große Anzahl weltberühmter Gemälde. Da ist nicht nur der „Wanderer über dem Nebelmeer“ von Caspar David Friedrich, der für die Haamburger Ausstellung gar nicht ausgeliehen werden musste, weil er zum Bestand gehört. Zu den herausragenden Werken im Museum zählt unter anderem das berühmte Luther-Porträt von Lucas Cranach d. Ä., der „Morgendliche Ausritt im Bois de Boulogne“ von Pierre-August Renoir, das Porträt des Kunsthändles Clovis Sagot von Pablo Picasso oder der „Arabische Friedhof“ von Wassily Kandinsky. Besonders gut gefallen hat mir die Zusammenstellung von niederländischen Kirchenbildern des 17. Jahrhunderts, als Beispiel sei die „Oude Kerk in Amsterdam“ von Emanuel de Witte genannt. Weitere Favoriten waren für mich der Tischler bei der Arbeit von Julius Wohlers (der leider noch nicht in der Sammlung Online zur Verfügung steht) und „Charlotte Corinth am Frisiertisch“ von Lovis Corinth. An diesem Bild hat mich der bewegte Pinselstrich faszinierte, die zarten Farben und die Tatsache, dass das Bild aus der Nähe betrachtet genauso faszinierend ist wie wenn man etwas zurücktritt. Ein fantastisches Werk, dessen Darstellung im Internet bei weitem nicht an die Betrachtung des Originals herankommt. Das Original übertrifft jede Abbildung Das ist eben der Unterschied zwischen Original und Abbildung. Natürlich kann ich heute fast alle Gemälde weltweit auf Papier oder Online betrachten. Aber das ist eben nicht dasselbe, als davor zu stehen und es auf sich wirken zu lassen. Nirgends wird das deutlicher als bei den Impressionisten. Bei anderen Werken ist es die schiere Größe des Originals, die den besonderen Eindruck ergibt. Mit solcher schierer Größe beginnt der Rundgang in der Hamburger Kunsthalle, jedenfalls im Altbau. Mittelpunkt ist der Makart-Saal, in dem das 50 Quadratmeter große Bild „Der Einzug Karl V. in Antwerpen“ von Hans Makart (1840-1884) hängt, inmitten von – ja, das kann man so sagen – Ölschinken der Historienmalerei. Von dort geht es chronologisch weiter, beginnend mit dem Mittelalter bis hin zur Kunst des 20. Jahrhunderts. Viele Räume sind thematisch gestaltet, wie etwa die bereits erwähnten niederländischen Kirchenbilder. In den Sälen hängen die Bilder vor einem blauen Hintergrund, in den kleineren Räumen vor helleren Wänden. Das Blau hebt die Bilder besonders hervor, ich mag es sehr. Wie überall in der bildenden Kunst, vor allem in der früherer Jahrhunderte, sind auch die Werke in der Hamburger Kunsthalle überwiegend von Männern gemalt worden. Eine der wenigen dort vertretenen Künstlerinnen ist Anita Reé. Die Kunsthalle zeigt einige Selbstporträts von ihr, insgesamt ist die Künstlerin mit 24 Werken vertreten. Von den Nazis diffamiert und ausgeschlossen, nahm sie sich 1933 das Leben. Reé ist auch Teil der queeren Angebote der Kunsthallen-Angebote zur Pride-Week. Solche Angebote gehören offenbar heute zum guten Ton von öffentlichen Einrichtungen. Ebenso Fragen wie die, die unter dem riesigen Markat-Schinken gestellt werden: „Finden Sie das Gemälde provokativ? Finden Sie es sexistisch?“. Mit Nummern von Raum zu Raum Sicher ist manches Werk aus heutiger Sicht sexistisch. Ich kann das ausblenden, während ich die Kunst an sich bewundere. Ich habe mich also in der Kunsthalle vom Mittelalter bis ins 20. Jahrhunderte vorgearbeitet. Eine wunderbare Sammlung. Etwas verwirrend ist allerdings der Rundgang, der sich nicht immer auf den ersten Blick erschließt. Am Ende hat es sich als hilfreicher erwiesen, die Saal- und Raumnummern als Anhaltspunkt zu nehmen. Sie sind auf die Türrahmen geschrieben, und so konnte ich mich von Raum zu Raum hangeln. Zwischendurch fehlten nämlich die Hinweise auf den Rundgang oder waren verwirrend. Insgesamt war es ein wunderbarer Tag mit viel Kunst bei erträglichen Temperaturen. So ein Museumsbesuch ist zu fast jeder Jahreszeit gut. Im Sommer, um es kühler zu haben, im Winter, um dem norddeutschen Schietwetter zu entgehen. Was mich außerdem gefreut hat. Das Museum war nicht nur gut besucht, es waren auch viele junge Leute da. Klassische Kunst ist offenbar etwas für jedes Alter und nicht, wie vielfach vermutet, nur für die Älteren unter uns.

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Museen sind nicht nur im Inneren interessant. Oft sind sie es auch von außen. So wie die Hamburger Kunsthalle, die in Wirklichkeit aus drei Kunsthallen besteht. Drei sehr unterschiedlichen. Zum Einlass in die Caspar-David-Friedrich-Ausstellung war ich ein bisschen zu früh da und bin noch ein wenig im Hamburger Regen um die Kunsthalle herumspaziert. Schließlich interessiere ich mich nicht nur für gemalte Kunst, sondern auch für gebaute, also für Architektur. Und da bietet die Kunsthalle eine Menge, denn in Wahrheit besteht sie aus drei Gebäuden, allesamt im Stil der Zeit ihrer Entstehung. Unterschieden werden die drei Teile in Altbau, Erweiterungsbau und Galerie der Gegenwart. Letztere wird auch Kubus genannt, ist aber mehr als das. Ein Gebäude im Stil seiner Zeit Der sogenannte Altbau sieht genauso aus, wie man sich einen Museumsbau aus der Mitte des 19. Jahrhunderts vorstellt: in Backstein errichtet, im Stil der italienischen Renaissance gestaltet, reich geschmückt mit Medaillons und lebensgroßen Sandsteinfiguren. Das Gebäude wurde 1869 eingeweiht und beherbergt monumentale Gemälde, unter anderem im Makart-Saal das riesige Bild „Der Einzug Karl V. in Antwerpen“ von Hans Makart (1840-1884). Es trägt den Beinamen „50 Quadratmeter Zumutung.“ Aber zurück zum Äußeren des Museums. Der Altbau ließ sich für mich zeitlich noch ziemlich genau einordnen, beim sogenannten Erweiterungsbau habe ich mich ein bisschen verschätzt. Ich sah dort Anklänge an die Nazi-Formensprache. Tatsächlich ist er von 1912 bis 1919 errichtet worden. Nicht aus Backstein, sondern im neoklassischen Stil mit einer Muschelkalk-Fassade. Ein moderner Teil der Kunsthalle Auf der anderen Seite des Altbaus ist dann mit der Einweihung 1997 die Galerie der Gegenwart hinzugekommen, wegen seiner quadratischen Gestalt auch Kubus genannt. Dort war der Großteil der Caspar-David-Friedrich-Ausstellung zu sehen. Bemerkenswert ist der Kubus aber nicht nur wegen seiner Form, sondern auch wegen des Podestes, auf dem er steht. Zwischen dem Altbau der Kunsthalle und der Galerie der Gegenwart erstreckt sich eine weite Fläche aus rotem schwedischen Granit, geböschter Sockelbau genannt. Treppen und Rampen führen hinauf. Allerdings hat offenbar der Zahn der Zeit an den Platten genagt, viele wackelten ein bisschen beim Drüberlaufen. Mir hat der Dreiklang der Gebäude mit Altbau, Erweiterungsbau und Galerie der Gegenwart gut gefallen. Da treffen drei Zeitalter der Architektur auf engstem Raum aufeinander. Jeder mag für sich entscheiden, welcher ihm besser oder weniger gut gefällt. Mir gefallen alle drei, jede hat ihren eigenen Reiz. Zwischen Galerie der Gegenwart und Altbau gibt es einen unterirdischen Gang, der beide verbindet. Wer ihn von modern zu alt durchschreitet, kommt am Ende am pompösen Treppenhaus des Altbaus heraus. Spannend zu sehen. Der Gang führt unterhalb des Sockels entlang, der außerdem Parkplätze und die Haustechnik beherbergt. So ist die Verbindung zwischen zwei Teilen der Kunsthalle unter- wie überirdisch gegeben. Insgesamt bieten die drei Bauten 13.000 Quadratmeter Fläche für Ausstellungen und Veranstaltungen. Da lässt sich viel Kunst zeigen.

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Ich habe es noch auf den letzten Drücker geschafft, mir die Caspar-David-Friedrich-Ausstellung in der Kunsthalle in Hamburg anzusehen. Ein Erlebnis. In vielerlei Hinsicht. Angepriesen als eines der Kunstereignisse des Jahres – nun ja, der Jahre 2023/2024 – hat die Caspar-David-Friedrich-Ausstellung in der Hamburger Kunsthalle die Massen angezogen. Ich habe vor einigen Wochen eines der letzten Online-Tickets für die Schau ergattert, nur Stunden später war sie ausverkauft. Heute war ich dort, am vorletzten Tag der Ausstellung. Sie hat mir gut gefallen. Die Begleitumstände allerdings nicht so sehr. Zunächst zu Ausstellung selbst. „Caspar David Friedrich – Kunst für eine neue Zeit“, so der Titel, ist in drei Abschnitte aufgeteilt. Der erste widmet sich dem Künstler selbst und seinen Werken. Gezeigt werden 60 Gemälde und rund 100 Zeichnungen. Der Rundgang beginnt mit Porträts, die den Künstler zeigen, Selbstporträts und solche von anderen Malern. Ein Porträt, gemalt 1808 von Gerhard von Kügelgen, ist besonders beeindruckend. Darauf blickt der Künstler den Betrachter direkt an. Die Augen sind beinahe stechend, der Backenbart flaumig, die Stirnhaare sind nach vorn über eine beginnende Glatze gekämmt. Caspar David Friedrich im Klein- und Großformat Danach ist die Ausstellung chronologisch aufgebaut. Sie beginnt mit Skizzen und Studien des jungen Caspar David Friedrich. Sie sind der Grundstein für seine spätere Kunst. Es sind kleinformatige Werke von großer Fertigkeit. Sie führen den Besucher hin zu den späteren Ölgemälden, erst in kleinerem Format, dann in immer größerem. Bis zu den weltweit bekannten Werken, etwa dem „Eismeer“ von 1823/24, dem „Mönch am Meer“, entstanden von 1808 bis 1810, oder dem „Wanderer über dem Nebelmeer“ (um 1817). Die begleitenden Texte an der Wand der jeweiligen Räume sind kurz, aber ausführlich genug, um in die gezeigten Werke einzuführen und den Blick auf Details zu schärfen. Die Bilder sind allesamt auf einem grau-grünen Hintergrund platziert, was sie leuchten lässt. Die Kritik von Anke Gröner bezüglich zu wenig Platz zum Atmen (für die Bilder und für die Besucher) kann ich nicht recht nachvollziehen, aber ich bin ja auch keine promovierte Kunsthistorikerin. Viel mehr als die Art, wie die Ausstellung gehängt ist, haben mich die anderen Besucher genervt. Immer, wenn ich ein Bild aus einigem Abstand ansehen wollte – was bei Großformaten stets angeraten ist – drängelte sich irgendjemand direkt davor. Und so ist die Caspar-David-Friedrich-Ausstellung eine mit Rückenansicht vor Rückenansicht. Die berühmten Rückenansichten der Menschen auf den Bildern wurden fast immer ergänzt, genauer verdeckt, von Rückenansichten der Besucher. Zugegeben, ich habe auch ein paar Handyfotos gemacht, für diesen Beitrag, aber auch als eine Art Notizbuch für mich. Ich habe das Handy aber nur selten gezückt, denn das Handyfotografieren hat mich wieder mal sehr genervt, wie schon in der Galerie Alter Meister in Dresden. Vor allem, wenn die Leute statt zu sehen nur wie irre die Bilder abknipsen. Und dafür gerne auch mal etwas näher rangehen. Benimmregeln für den Museumsbesuch Natürlich sind Ausstellungen wie die über Caspar David Friedrich Anziehungspunkte, die die Massen anlocken. Wer sie sich ansieht, muss damit rechnen, dass es voll ist. Aber ein bisschen Ausstellungsknigge wäre schon schön. Es gibt zwar Benimmregeln für Museumsbesuche, aber die stammen allesamt aus einer Zeit, als es noch keine Handys gab. Zum Thema Rückenansichten hatte H. Schramm schon 1902 einen wichtigen Rat: „Niemals lasse man sich die Unart zuschulden kommen, vor einem besonders sehenswerten Gegenstande in endloser Betrachtung zu verweilen, anderen die Aussicht versperrend.“ Teil 2 und 3 der Ausstellung widmen sich nicht Caspar David Friedrich, sondern anderen Künstlern, die seine Arbeiten adaptiert oder weiterentwickelt haben. Denen ist Teil 2 gewidmet, und ich habe dort tolle Entdeckungen gemacht. Ich habe Künstler unserer Zeit entdeckt, die ich noch nicht kannte. Etwa den Fotografen Andreas Mühe (*1979), dessen fantastische Bilder mir sehr gefallen haben. Sie zeigen ihn nackt in Rückenansicht in Szenen wie denen von Friedrich. Oder die Malerin Nina K. Jurk (*1970), die in altmeisterlicher Malerei Himmel und Natur abbildet, ohne Motive, nur mit Farbverläufen. Der dritte Teil der Ausstellung zeigt zwei großformatige Adaptionen, den „Kreidefelsen“ und den „Wanderer“ des afroamerikanischen Malers Kehinde Wiley (*1977). Diese Bilder werden im Markat-Saal inmitten von 60 Gemälden und Skulpturen des 19. Jahrhunderts gezeigt. Darunter das 50 Quadratmeter große Hauptwerk „Der Einzug Karl V. in Antwerpen“ von Hans Markart (1840-1884). Damit bricht die Hamburger Kunsthalle nicht nur die weiße Welt der Kunst des 19. Jahrhunderts auf, sondern lockt die Besucher der Caspar-David-Friedrich-Ausstellung auch in Räume, die sie sonst nicht aufgesucht hätten. Ich war jedenfalls ganz fasziniert in diesen Einblick in die Dauerausstellung und werde auf jeden Fall wieder kommen. Ziel erreicht. Noch ein Wort zum Eintrittspreis: Für 16 Euro (Erwachsene) bietet die Kunsthalle mit der Sonderausstellung über Caspar David Friedrich ein hochklassiges Ausstellungserlebnis zum kleinen Preis. Was natürlich nur durch eine umfassende Förderung durch Sponsoren und die öffentliche Hand möglich ist. Weitere Ausstellungen mit Friedrich-Werken Die Werke von Caspar David Friedrich wandern weiter zur Ausstellung „Unendliche Landschaften“, die vom 19. April bis 4. August 2024 in der Alten Nationalgalerie in Berlin zu sehen ist. Weiter geht es mit der Schau „Wo alles begann“ vom 24. August bis 17. November im Albertinum in Dresden.

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Ich bin ein großer Fan öffentlicher Büchereien. Meine Bücherei ist für mich ein regelmäßiger Anlaufpunkt, mindestens alles zwei Wochen bin ich da. Aber wenn ich Meldungen zu diesen Einrichtungen lese, wird mir mulmig. Wie lange wird es sie noch geben? Der größte Bücherfan kommt irgendwann an seine Grenzen. Was der Kopf noch liebt und verarbeiten kann, schafft der Platz in der heimischen Wohnung nicht mehr. Bei mir ist schon der letzte Regalmeter ausgenutzt, und deshalb habe ich irgendwann die Reißleine gezogen. Ich gehe in keine Buchhandlung mehr. Ich gehe in die Bücherei. Zum Glück steht mir eine gut sortierte und üppig bestückte Leihbücherei zur Verfügung. Jedes Mal, wenn ich sie besuche, steuere ich zuerst die Regale mit den Hörbüchern an. Ich bin viel im Auto unterwegs und höre sie währenddessen. Musik nervt mich beim Autofahren. Spannende Hörbücher sind dagegen immer willkommen. Der nächste Weg führt mich in die Sachbuchabteilung. Ich lese viele Sachbücher, aber auch Biografien. Und nach jahrelanger Pause habe ich gerade wieder den Reiz von Romanen entdeckt. Da ich schnell und viel lese, ist der Weg in die Leihbücherei immer wichtig. Neues Futter muss her. Und wenn mir ein Buch nicht gefällt, muss ich mich nicht hindurchquälen, sondern kann es einfach wieder abgeben. Wunderbar. Anlaufpunkte für viele Menschen Bei meinen Besuchen in der Bücherei fällt mir noch etwas anderes auf. Sie sind Anlaufpunkt für viele Menschen, die sich dort oft lange aufhalten. Um Zeitungen und Zeitschriften zu lesen. Um etwas am Computer zu recherchieren. Kindergruppen kommen, um etwas über das Prinzip Bücherei und übers Lesen zu lernen. Es gibt regelmäßige Veranstaltungen, Lesungen und Diskussionsrunden, die von den Mitarbeitern organisiert werden. Und das alles für einen Spottpreis. Als Erwachsene zahle ich in meiner Bücherei einen Jahresbeitrag von lediglich 16 Euro, ganze Familien sind mit 22 Euro dabei. Ein wahrhaft preiswertes Vergnügen. Dafür können neben Büchern und Hörbüchern auch CDs, DVDs und Brettspiele ausgeliehen werden. Kein Wunder, dass sich die Bücherei großer Beliebtheit erfreut. Doch die Leihbibliotheken geraten von zwei Seiten unter Druck: kein Geld, kein Personal. „Publik“, die Mitgliederzeitung der Gewerkschaft Verdi, berichtet, dass viele Büchereien die Öffnungszeiten reduzieren oder gar ganz schließen. „Dem Statistischen Bundesamt zufolge gab es 2022 rund 8800 öffentliche und wissenschaftliche Bibliotheken, zehn Jahre zuvor waren es noch 1350 mehr. Mit anderen Worten: Mehr als jede achte Einrichtung wurde seither geschlossen“, heißt es in dem Bericht. Bücherei als Ort ohne Konsum Und die Überschrift fasst das zusammen, was ich an der Bücherei so liebe: Es ist der letzte konsumfreie Ort. Vielleicht gibt es noch ein paar andere Orte ohne Konsum und Konsumzwang, aber tatsächlich muss man lange danach suchen. So sponten fällt mir keiner ein. Ich kann nur hoffen, dass das Prinzip Bücherei überlebt. Die sind übrigens keine Leitbibliotheken, wie oft gesagt und geschrieben wird. Aber das ist eine andere Geschichte.

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